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上位の肯定的レビュー
ひとことで言うなら「美しい」
2022年9月27日に日本でレビュー済み
坂本龍一の代表楽曲をピアノ、バイオリン、チェロのトリオのために新アレンジし、チェロは坂本の朋友ジャキス・モレレンバウム、ヴァイオリンはオーディションで採用したジュディ・カンを起用、と前説にあります。
いや~、演奏内容は、ひとことで言うなら「美しい」となりましょうか。
情景が目に浮かぶような（錯覚？）気がします。 すべてアコースティックによるクラシックでもあり、ときに即興らしき、ときにアバンギャルドな雰囲気もにじませる演奏です。どういう楽譜なんでしょうか。 ただ、メロラインはどれもゆったりしており坂本のピアノはほとんど片手だけと思われます。 シンプルなんだけど深い「何も足さない、何も引かない」感じのピュアなアコースティック感です。 ちょっとエリック・サティを彷彿とさせながら、より緊張感をくずさない、でもゆっくりした空気感（←イミフ）です。
10曲目、あの「Merry Christmas Mr. Lawrence」は、オリジナルよりすき間のあるゆっくりテンポで途中まで行ったかと思うとサビにさしかかると一気にアップテンポになり駆け抜けます。11曲目のバイオリンもスバラシイ、坂本のピアノがバックで淡々と盛り上げています。
録音も、ややスタジオっぽい残響が気になるものの、けっこうオン・マイクで左右に音像を定位させており、オーディオ・リファレンスにもなりそうです。
で、ジャケットがまた凝ってます。表裏の画像をあげてみます。CDを格納する部分とは別に、それを包み込む見開き構造なんです。初めて見ました。
ジャケットも含めて「美しい」と感じます。
いや~、演奏内容は、ひとことで言うなら「美しい」となりましょうか。
情景が目に浮かぶような（錯覚？）気がします。 すべてアコースティックによるクラシックでもあり、ときに即興らしき、ときにアバンギャルドな雰囲気もにじませる演奏です。どういう楽譜なんでしょうか。 ただ、メロラインはどれもゆったりしており坂本のピアノはほとんど片手だけと思われます。 シンプルなんだけど深い「何も足さない、何も引かない」感じのピュアなアコースティック感です。 ちょっとエリック・サティを彷彿とさせながら、より緊張感をくずさない、でもゆっくりした空気感（←イミフ）です。
10曲目、あの「Merry Christmas Mr. Lawrence」は、オリジナルよりすき間のあるゆっくりテンポで途中まで行ったかと思うとサビにさしかかると一気にアップテンポになり駆け抜けます。11曲目のバイオリンもスバラシイ、坂本のピアノがバックで淡々と盛り上げています。
録音も、ややスタジオっぽい残響が気になるものの、けっこうオン・マイクで左右に音像を定位させており、オーディオ・リファレンスにもなりそうです。
で、ジャケットがまた凝ってます。表裏の画像をあげてみます。CDを格納する部分とは別に、それを包み込む見開き構造なんです。初めて見ました。
ジャケットも含めて「美しい」と感じます。
上位の批判的レビュー
音が来ない
2020年4月26日に日本でレビュー済み
もしかしたら、坂本龍一の作品は、私には合わないのかもしれません。
ただ、生音とか高音質だったら、もっと楽しめただろう、と感じるCDでした。
ヴァイオリンの音は良かったのですが、ピアノの音に艶が感じられませんでした。
とは言っても、なんせ素人ですから、音源、プレイヤー、私の耳、私の感性のうち、
どれに問題があったのかはわかりません。
もしかしたら、ピアノの音の艶は、意図的に抑えたのかもしれません。
ハイレゾ版の音質はわかりません。
ただ、生音とか高音質だったら、もっと楽しめただろう、と感じるCDでした。
ヴァイオリンの音は良かったのですが、ピアノの音に艶が感じられませんでした。
とは言っても、なんせ素人ですから、音源、プレイヤー、私の耳、私の感性のうち、
どれに問題があったのかはわかりません。
もしかしたら、ピアノの音の艶は、意図的に抑えたのかもしれません。
ハイレゾ版の音質はわかりません。
113件の合計評価、レビュー付き:58
レビューのフィルタリング中に問題が発生しました。後でもう一度試してください。
日本から
2022年9月27日に日本でレビュー済み
いや~、演奏内容は、ひとことで言うなら「美しい」となりましょうか。
情景が目に浮かぶような（錯覚？）気がします。 すべてアコースティックによるクラシックでもあり、ときに即興らしき、ときにアバンギャルドな雰囲気もにじませる演奏です。どういう楽譜なんでしょうか。 ただ、メロラインはどれもゆったりしており坂本のピアノはほとんど片手だけと思われます。 シンプルなんだけど深い「何も足さない、何も引かない」感じのピュアなアコースティック感です。 ちょっとエリック・サティを彷彿とさせながら、より緊張感をくずさない、でもゆっくりした空気感（←イミフ）です。
10曲目、あの「Merry Christmas Mr. Lawrence」は、オリジナルよりすき間のあるゆっくりテンポで途中まで行ったかと思うとサビにさしかかると一気にアップテンポになり駆け抜けます。11曲目のバイオリンもスバラシイ、坂本のピアノがバックで淡々と盛り上げています。
録音も、ややスタジオっぽい残響が気になるものの、けっこうオン・マイクで左右に音像を定位させており、オーディオ・リファレンスにもなりそうです。
で、ジャケットがまた凝ってます。表裏の画像をあげてみます。CDを格納する部分とは別に、それを包み込む見開き構造なんです。初めて見ました。
ジャケットも含めて「美しい」と感じます。
坂本龍一の代表楽曲をピアノ、バイオリン、チェロのトリオのために新アレンジし、チェロは坂本の朋友ジャキス・モレレンバウム、ヴァイオリンはオーディションで採用したジュディ・カンを起用、と前説にあります。
いや~、演奏内容は、ひとことで言うなら「美しい」となりましょうか。
情景が目に浮かぶような（錯覚？）気がします。 すべてアコースティックによるクラシックでもあり、ときに即興らしき、ときにアバンギャルドな雰囲気もにじませる演奏です。どういう楽譜なんでしょうか。 ただ、メロラインはどれもゆったりしており坂本のピアノはほとんど片手だけと思われます。 シンプルなんだけど深い「何も足さない、何も引かない」感じのピュアなアコースティック感です。 ちょっとエリック・サティを彷彿とさせながら、より緊張感をくずさない、でもゆっくりした空気感（←イミフ）です。
10曲目、あの「Merry Christmas Mr. Lawrence」は、オリジナルよりすき間のあるゆっくりテンポで途中まで行ったかと思うとサビにさしかかると一気にアップテンポになり駆け抜けます。11曲目のバイオリンもスバラシイ、坂本のピアノがバックで淡々と盛り上げています。
録音も、ややスタジオっぽい残響が気になるものの、けっこうオン・マイクで左右に音像を定位させており、オーディオ・リファレンスにもなりそうです。
で、ジャケットがまた凝ってます。表裏の画像をあげてみます。CDを格納する部分とは別に、それを包み込む見開き構造なんです。初めて見ました。
ジャケットも含めて「美しい」と感じます。
いや~、演奏内容は、ひとことで言うなら「美しい」となりましょうか。
情景が目に浮かぶような（錯覚？）気がします。 すべてアコースティックによるクラシックでもあり、ときに即興らしき、ときにアバンギャルドな雰囲気もにじませる演奏です。どういう楽譜なんでしょうか。 ただ、メロラインはどれもゆったりしており坂本のピアノはほとんど片手だけと思われます。 シンプルなんだけど深い「何も足さない、何も引かない」感じのピュアなアコースティック感です。 ちょっとエリック・サティを彷彿とさせながら、より緊張感をくずさない、でもゆっくりした空気感（←イミフ）です。
10曲目、あの「Merry Christmas Mr. Lawrence」は、オリジナルよりすき間のあるゆっくりテンポで途中まで行ったかと思うとサビにさしかかると一気にアップテンポになり駆け抜けます。11曲目のバイオリンもスバラシイ、坂本のピアノがバックで淡々と盛り上げています。
録音も、ややスタジオっぽい残響が気になるものの、けっこうオン・マイクで左右に音像を定位させており、オーディオ・リファレンスにもなりそうです。
で、ジャケットがまた凝ってます。表裏の画像をあげてみます。CDを格納する部分とは別に、それを包み込む見開き構造なんです。初めて見ました。
ジャケットも含めて「美しい」と感じます。
ひとことで言うなら「美しい」
ユーザー名: 腰痛人生、日付: 2022年9月27日
坂本龍一の代表楽曲をピアノ、バイオリン、チェロのトリオのために新アレンジし、チェロは坂本の朋友ジャキス・モレレンバウム、ヴァイオリンはオーディションで採用したジュディ・カンを起用、と前説にあります。ユーザー名: 腰痛人生、日付: 2022年9月27日
いや~、演奏内容は、ひとことで言うなら「美しい」となりましょうか。
情景が目に浮かぶような（錯覚？）気がします。 すべてアコースティックによるクラシックでもあり、ときに即興らしき、ときにアバンギャルドな雰囲気もにじませる演奏です。どういう楽譜なんでしょうか。 ただ、メロラインはどれもゆったりしており坂本のピアノはほとんど片手だけと思われます。 シンプルなんだけど深い「何も足さない、何も引かない」感じのピュアなアコースティック感です。 ちょっとエリック・サティを彷彿とさせながら、より緊張感をくずさない、でもゆっくりした空気感（←イミフ）です。
10曲目、あの「Merry Christmas Mr. Lawrence」は、オリジナルよりすき間のあるゆっくりテンポで途中まで行ったかと思うとサビにさしかかると一気にアップテンポになり駆け抜けます。11曲目のバイオリンもスバラシイ、坂本のピアノがバックで淡々と盛り上げています。
録音も、ややスタジオっぽい残響が気になるものの、けっこうオン・マイクで左右に音像を定位させており、オーディオ・リファレンスにもなりそうです。
で、ジャケットがまた凝ってます。表裏の画像をあげてみます。CDを格納する部分とは別に、それを包み込む見開き構造なんです。初めて見ました。
ジャケットも含めて「美しい」と感じます。
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2012年11月7日に日本でレビュー済み
トリオ編成の前作『1996』を超える深まり、広がり、
複雑さ、洗練、自由、達成、充実。
実験的な不協和音で３者が重なる「Bibo no aozora」。
ヴァイオリンとチェロで笙のような音の移ろいが
能舞台のように表現されている曲「Still Life in A」。
切れ目なく続く「Nostalgia」は、Ｂ・イーノの『Music for Airport』への、
30余年経た後の東洋からの解答のよう。
ラストに収録された「Parolibre」では、新加入ヴァイオリニスト、
ジュディ・カンの美質が解き放たれる。
最後の音が時空に溶け込み、アルバムは幸福感の燐光を放って無音へと還る。
これらの箇所こそ、このアンサンブルの自由さと到達度の高さを表していて、
リスナーに深く充実した音楽体験をもたらす。
ロックだとポリスという３ピースバンドや、キング・クリムゾンの1974年時のトリオ編成があった。
ジャズだとキース・ジャレット・トリオなどがある。自分が体験した３ピースバンドの究極のひとつは、
林英哲・木下伸市・土井啓輔という邦楽トリオの演奏だが、
『Three』の音は、こうした究極のトリオ編成の域から発せられている。
録音も秀逸で、３者の演奏の音色や息づかいが、丁寧に記録されている。
坂本龍一の磨き上げられた乳白色のピアノ・サウンドはすばらしく、自然な温かみのなかで輝く。
記念碑的という言葉は大げさで陳腐かもしれないが、やはりそうした言葉にふさわしい演奏と録音。
2012年10月という段階で、地球が奏でた歌、地球の母胎から湧きだした音楽のよう。
複雑さ、洗練、自由、達成、充実。
実験的な不協和音で３者が重なる「Bibo no aozora」。
ヴァイオリンとチェロで笙のような音の移ろいが
能舞台のように表現されている曲「Still Life in A」。
切れ目なく続く「Nostalgia」は、Ｂ・イーノの『Music for Airport』への、
30余年経た後の東洋からの解答のよう。
ラストに収録された「Parolibre」では、新加入ヴァイオリニスト、
ジュディ・カンの美質が解き放たれる。
最後の音が時空に溶け込み、アルバムは幸福感の燐光を放って無音へと還る。
これらの箇所こそ、このアンサンブルの自由さと到達度の高さを表していて、
リスナーに深く充実した音楽体験をもたらす。
ロックだとポリスという３ピースバンドや、キング・クリムゾンの1974年時のトリオ編成があった。
ジャズだとキース・ジャレット・トリオなどがある。自分が体験した３ピースバンドの究極のひとつは、
林英哲・木下伸市・土井啓輔という邦楽トリオの演奏だが、
『Three』の音は、こうした究極のトリオ編成の域から発せられている。
録音も秀逸で、３者の演奏の音色や息づかいが、丁寧に記録されている。
坂本龍一の磨き上げられた乳白色のピアノ・サウンドはすばらしく、自然な温かみのなかで輝く。
記念碑的という言葉は大げさで陳腐かもしれないが、やはりそうした言葉にふさわしい演奏と録音。
2012年10月という段階で、地球が奏でた歌、地球の母胎から湧きだした音楽のよう。
2020年8月30日に日本でレビュー済み
1996は大好きなアルバムでしたが恥ずかしながらこのアルバムは最近知り、手に入れた次第です。
驚愕しました。1996とはまるで異なる音の世界がそこにはありました。
1996は、曲ごとに完璧に一つの世界がガチッと作られその一分の隙もない完成された世界を楽しませてくれるのに対し、このアルバムに配されている曲その演奏全てがその表現している世界の境目が見えないのです。
目の前に何気なくスッと気負いなく提示された音楽の世界が果てしなく広がって、どこまでもどこまでも、、、。
一人のオーディオ好きつまりは素人ですので間違った表現かもしれませんが、今まで聴いできた音楽が何らかのテーマを描く帰納的作品ならば、この作品はより広い世界へと聴き手をいざなう演繹的作品、そして音楽は目的ではなくあくまでも手段として存在するなどと思った次第です。
音楽を聞いてこんな体験は初めてでした。
何はともあれ一度お聴きあれ。
多分坂本龍一氏という一流の芸術家が創り上げたどこまでも広がっていく音楽空間、そしてそれらを構成している一見粗野なしかし磨きに磨き上げられ緻密に組み上げられた極上の音の粒を観る楽しみを貴方も貴女も味わえるんじゃぁないかな。
驚愕しました。1996とはまるで異なる音の世界がそこにはありました。
1996は、曲ごとに完璧に一つの世界がガチッと作られその一分の隙もない完成された世界を楽しませてくれるのに対し、このアルバムに配されている曲その演奏全てがその表現している世界の境目が見えないのです。
目の前に何気なくスッと気負いなく提示された音楽の世界が果てしなく広がって、どこまでもどこまでも、、、。
一人のオーディオ好きつまりは素人ですので間違った表現かもしれませんが、今まで聴いできた音楽が何らかのテーマを描く帰納的作品ならば、この作品はより広い世界へと聴き手をいざなう演繹的作品、そして音楽は目的ではなくあくまでも手段として存在するなどと思った次第です。
音楽を聞いてこんな体験は初めてでした。
何はともあれ一度お聴きあれ。
多分坂本龍一氏という一流の芸術家が創り上げたどこまでも広がっていく音楽空間、そしてそれらを構成している一見粗野なしかし磨きに磨き上げられ緻密に組み上げられた極上の音の粒を観る楽しみを貴方も貴女も味わえるんじゃぁないかな。
2012年10月17日に日本でレビュー済み
1996は教授が「一生に一枚作るかっていう種類のアルバムですね。」と帯にも書いてましたが、
この続編を聴いて、教授の発言は正しかったという認識に至った。
1996
要するに1996の続編たる本作は、結局Part１を凌駕することはなかったという意味。
大貫さんとのデュオのライブを聴きに行った時も感じていたが、ピアノの技量は明らかに下り
坂となっている。もちろん、大貫さんの透明で凛とした表現をつぶすようなピアノは当然御法
度だが、ライブでの戦メリは、相当、音を抜いていて、よく言えば枯淡、悪く言えば手抜きの
印象があった。
今回の録音に関して言えば、もともと作曲家ではあっても、ピアニストではないのでピアノの
技量をとやかく言うのはいけないのだろうが、これほど音が薄いと、せっかくの美メロが浅薄
に聞こえてしまう。あと、1996が良かったのは、音を切り詰めたようなタイプの作品でも、ピ
アノと弦との間の対位法的な絡みを積極的に活用していたため、音が各所から次々とあふれ
るような感覚となり、拍節で音が止まる感じはなく音楽が流れるような雰囲気があった。
而して、本作のアレンジでは、音の少ないピアノに弦で簡素に和音をつけたという感触がする。
たとえてみれば、各声部の絡みで音楽をドライブするポリフォニーから、各声部の和声の積み
重ねによるホモフォニーとなったような感触で、どうにも音が寂しいという印象はぬぐえない。
坂本氏自身がピアノの音を最小限にしようという意図であるなら，それを否定はしないが、弦
の2人はなかなか良い音色を持っているからこそ、もう少しアレンジの妙を見せてほしかった。
あと、戦メリや、美貌の青空、Parolibreなど、1996と同じ曲をもう一度録音するのも(しかも
さらに簡素化）ちょっとなぁ、という感じ。
元妻が同じ曲を次から次へとアレンジを止めどもなく変えて，新しい生命を吹き込んでいる姿
とは対照的に、ちょっと老成しすぎではないかとも思える。というわけで得点は、3.5点を四捨
五入しての4☆。
彼より年上の英米ミュージシャンが最近でもアグレッシブに活動しているのに、まだまだ老け
るには早すぎますよ。
この続編を聴いて、教授の発言は正しかったという認識に至った。
1996
要するに1996の続編たる本作は、結局Part１を凌駕することはなかったという意味。
大貫さんとのデュオのライブを聴きに行った時も感じていたが、ピアノの技量は明らかに下り
坂となっている。もちろん、大貫さんの透明で凛とした表現をつぶすようなピアノは当然御法
度だが、ライブでの戦メリは、相当、音を抜いていて、よく言えば枯淡、悪く言えば手抜きの
印象があった。
今回の録音に関して言えば、もともと作曲家ではあっても、ピアニストではないのでピアノの
技量をとやかく言うのはいけないのだろうが、これほど音が薄いと、せっかくの美メロが浅薄
に聞こえてしまう。あと、1996が良かったのは、音を切り詰めたようなタイプの作品でも、ピ
アノと弦との間の対位法的な絡みを積極的に活用していたため、音が各所から次々とあふれ
るような感覚となり、拍節で音が止まる感じはなく音楽が流れるような雰囲気があった。
而して、本作のアレンジでは、音の少ないピアノに弦で簡素に和音をつけたという感触がする。
たとえてみれば、各声部の絡みで音楽をドライブするポリフォニーから、各声部の和声の積み
重ねによるホモフォニーとなったような感触で、どうにも音が寂しいという印象はぬぐえない。
坂本氏自身がピアノの音を最小限にしようという意図であるなら，それを否定はしないが、弦
の2人はなかなか良い音色を持っているからこそ、もう少しアレンジの妙を見せてほしかった。
あと、戦メリや、美貌の青空、Parolibreなど、1996と同じ曲をもう一度録音するのも(しかも
さらに簡素化）ちょっとなぁ、という感じ。
元妻が同じ曲を次から次へとアレンジを止めどもなく変えて，新しい生命を吹き込んでいる姿
とは対照的に、ちょっと老成しすぎではないかとも思える。というわけで得点は、3.5点を四捨
五入しての4☆。
彼より年上の英米ミュージシャンが最近でもアグレッシブに活動しているのに、まだまだ老け
るには早すぎますよ。
2013年1月14日に日本でレビュー済み
各レビューを見渡すと賛否両論にかなり分化しているように思えますが、断然、このアルバムの支持派です！！！！
坂本教授はありとあらゆる音楽家のなかでいちばん好きな人なので活動をフォローしつづけているが、個人的に受けている印象として、アルバム‘out of noise’と、そのリリース直後のピアノツアー（‘flumina’の元になった即興演奏が披露されたツアー）以後、確実にひとつの別段階へと音楽性が移行したように思っている。
いわば、より密やかに静謐に、より瞑想的、真の意味でのアンビエント（環境的）な響きへと向かって行っているように感じられる。
環境的というのは、響き、ことに残響の在り方を大切にし、無音（静寂という名のノイズ）の中へと拡散・蒸発していく音の粒子に対して、いままで以上に強く覚醒した感覚で、ある種「見守る」という在り方をとるような演奏をするようになったと感じる。
これによって、以前にも増して奏でる音数の減少と、反面「間」の増加、静けさそのものを呼吸するような態度が、坂本の曲を受容する側にとっても不可欠のものとなってきた。
これは本作のようなアコースティック作品以外でも、Alva Noto と共作した電子音楽においても顕著であった特徴だ。
本作「THREE」は「1996」以来のピアノトリオ編成によるアルバムで、重複する収録楽曲も多く、編曲アレンジでは大きな差はない。
しかし「1996」での演奏スタイルからは明らかに相当な変貌を遂げている。
その演奏スタイルはといえば、平坦かつ冗長、イージーリスニング化というような指摘もされる始末である。
というと印象が悪いのだが、近年の坂本教授の演奏に耳を傾け続けた者の一人として、目新しい意見ではないが、やはり紛れもない「深化」、これ以外の形容は有り得ないと思われるのだ。
もはや対位法的な楽曲の分節性や、そこから見出される聴覚的パズル性というような側面はさっぱりと取り払われてしまい、
かわりに「音」の一粒一粒への過剰な接視ともいうべきこだわりが姿を現わす。
坂本はクラシカルだというイメージも強く、ピアノトリオというのはその印象を助長もするが、音に対するこれらの視点の取り方はいわゆる「西洋クラシック」での考えとは明らかに違い、またポップス的な解釈でも解き明かせないものと思われる。
近年の坂本の作風がもつ、心ないリスナーから指摘されがちな平坦化・冗長化・退屈化こそ、ジョン・ケージやモートン・フェルドマンなどが達成した瞑想的静謐さという音楽的功績からの、正当な継承である。
それは響きを重んじることへの、過激な追究だ。
近年、音声インタビューなどで「どのような音楽を聴きますか？」という質問に対して「というより“音”を聴きます」という言い換えをしばしばおこなっている教授。
坂本が求めているものが「音楽」という語が示す範疇とは重ならないものであるかもしれないということを、端的に示している。
「THREE」は位置付けとしては「1996」の後継にあたるのでその収録曲は明確な旋律線や和声を持ち、対位法的作曲を経て生まれた曲も多いのだが、
アルバム中盤に収録されている近作曲‘Still Life in A’‘Nostalgia’がきわめて音響的であり、曲としての堅固な輪郭を持ち得ていないことが示すように、このアルバムは、いわばその2曲の立場、静けさの中にひとつひとつ立ち現われる音粒子を重んじ、楽曲の建築的骨格を骨抜きにした視点からの解釈によって演奏し直されたものなのだ。
このことが示すように、「THREE」は一貫して、‘Still Life’‘Nostalgia’の2曲が収録されていたアルバム‘out of noise’的な視点 ――環境的に拡散する音を聴く、自らが奏でる音に対して自ら耳を傾けるような―― の演奏スタイルによって坂本の名曲群を捉えなおしたアルバムであると考えることも可能だろう。
坂本の知名度の高さと“癒し系”的な先入観でも見られがちだが、おそらくこのアルバムを受容するのは必ずしも容易ではない。
それは、本来かなり「音楽的」に作曲された曲たちを、「音楽」とは重なりきらない、多分に「音響」重視的な視座によって演奏したものであると考えられるからである。
いま現在の坂本龍一を楽しく聴くためには、いわゆる環境音楽的な聴覚的回路を持たない限り、どうしてもつまらなく思えたり、衰えと解釈したくなったりする部分があるのかもしれない。
だが教授が発揮し続けてきた先端的な突出性は、いまこの領域に向かってのみ、激しい深化を続けているのだ。
なので音響系がダメな人は、もしかするともうファンではいられないことになるのかもしれない。
あと、エコ重視という割にライヴ盤やリリース作品がかなり多いというツッコミは、ほんとにそうかも。
でも高知県あたりで植林で育てた森にCDつくるときのCO2吸ってもらってるらしいですよ〜(^^;
あと、浅田彰さんがブログに書いてたこのCDのレビューもよかったです(゜∇^d)
浅田氏が教授が好きなのが伝わりました\★(ゝ。∂) (6 。<)★／
坂本教授はありとあらゆる音楽家のなかでいちばん好きな人なので活動をフォローしつづけているが、個人的に受けている印象として、アルバム‘out of noise’と、そのリリース直後のピアノツアー（‘flumina’の元になった即興演奏が披露されたツアー）以後、確実にひとつの別段階へと音楽性が移行したように思っている。
いわば、より密やかに静謐に、より瞑想的、真の意味でのアンビエント（環境的）な響きへと向かって行っているように感じられる。
環境的というのは、響き、ことに残響の在り方を大切にし、無音（静寂という名のノイズ）の中へと拡散・蒸発していく音の粒子に対して、いままで以上に強く覚醒した感覚で、ある種「見守る」という在り方をとるような演奏をするようになったと感じる。
これによって、以前にも増して奏でる音数の減少と、反面「間」の増加、静けさそのものを呼吸するような態度が、坂本の曲を受容する側にとっても不可欠のものとなってきた。
これは本作のようなアコースティック作品以外でも、Alva Noto と共作した電子音楽においても顕著であった特徴だ。
本作「THREE」は「1996」以来のピアノトリオ編成によるアルバムで、重複する収録楽曲も多く、編曲アレンジでは大きな差はない。
しかし「1996」での演奏スタイルからは明らかに相当な変貌を遂げている。
その演奏スタイルはといえば、平坦かつ冗長、イージーリスニング化というような指摘もされる始末である。
というと印象が悪いのだが、近年の坂本教授の演奏に耳を傾け続けた者の一人として、目新しい意見ではないが、やはり紛れもない「深化」、これ以外の形容は有り得ないと思われるのだ。
もはや対位法的な楽曲の分節性や、そこから見出される聴覚的パズル性というような側面はさっぱりと取り払われてしまい、
かわりに「音」の一粒一粒への過剰な接視ともいうべきこだわりが姿を現わす。
坂本はクラシカルだというイメージも強く、ピアノトリオというのはその印象を助長もするが、音に対するこれらの視点の取り方はいわゆる「西洋クラシック」での考えとは明らかに違い、またポップス的な解釈でも解き明かせないものと思われる。
近年の坂本の作風がもつ、心ないリスナーから指摘されがちな平坦化・冗長化・退屈化こそ、ジョン・ケージやモートン・フェルドマンなどが達成した瞑想的静謐さという音楽的功績からの、正当な継承である。
それは響きを重んじることへの、過激な追究だ。
近年、音声インタビューなどで「どのような音楽を聴きますか？」という質問に対して「というより“音”を聴きます」という言い換えをしばしばおこなっている教授。
坂本が求めているものが「音楽」という語が示す範疇とは重ならないものであるかもしれないということを、端的に示している。
「THREE」は位置付けとしては「1996」の後継にあたるのでその収録曲は明確な旋律線や和声を持ち、対位法的作曲を経て生まれた曲も多いのだが、
アルバム中盤に収録されている近作曲‘Still Life in A’‘Nostalgia’がきわめて音響的であり、曲としての堅固な輪郭を持ち得ていないことが示すように、このアルバムは、いわばその2曲の立場、静けさの中にひとつひとつ立ち現われる音粒子を重んじ、楽曲の建築的骨格を骨抜きにした視点からの解釈によって演奏し直されたものなのだ。
このことが示すように、「THREE」は一貫して、‘Still Life’‘Nostalgia’の2曲が収録されていたアルバム‘out of noise’的な視点 ――環境的に拡散する音を聴く、自らが奏でる音に対して自ら耳を傾けるような―― の演奏スタイルによって坂本の名曲群を捉えなおしたアルバムであると考えることも可能だろう。
坂本の知名度の高さと“癒し系”的な先入観でも見られがちだが、おそらくこのアルバムを受容するのは必ずしも容易ではない。
それは、本来かなり「音楽的」に作曲された曲たちを、「音楽」とは重なりきらない、多分に「音響」重視的な視座によって演奏したものであると考えられるからである。
いま現在の坂本龍一を楽しく聴くためには、いわゆる環境音楽的な聴覚的回路を持たない限り、どうしてもつまらなく思えたり、衰えと解釈したくなったりする部分があるのかもしれない。
だが教授が発揮し続けてきた先端的な突出性は、いまこの領域に向かってのみ、激しい深化を続けているのだ。
なので音響系がダメな人は、もしかするともうファンではいられないことになるのかもしれない。
あと、エコ重視という割にライヴ盤やリリース作品がかなり多いというツッコミは、ほんとにそうかも。
でも高知県あたりで植林で育てた森にCDつくるときのCO2吸ってもらってるらしいですよ〜(^^;
あと、浅田彰さんがブログに書いてたこのCDのレビューもよかったです(゜∇^d)
浅田氏が教授が好きなのが伝わりました\★(ゝ。∂) (6 。<)★／
2013年3月13日に日本でレビュー済み
このトリオでのライブのユーストリームを何度か見て、すっかり三人の奏でる音楽に夢中になってしまいました。毎日頭の中で音楽が回ってしまうようになり、久しぶりにCDを買い求めました。
ピアノとチェロとバイオリンの奏でる音は、芳醇なワインのよう。シンプルでいてセクシー。
坂本龍一に最初に恋したのは、私が中学生の時のDavid Sylvianとの「戦場のメリークリスマス」。
それから30年近く、教授は名曲を書き続け、素敵に年を重ね、いまだにピアノを弾く姿はセクシー。
また教授に恋してしまいました。
ピアノとチェロとバイオリンの奏でる音は、芳醇なワインのよう。シンプルでいてセクシー。
坂本龍一に最初に恋したのは、私が中学生の時のDavid Sylvianとの「戦場のメリークリスマス」。
それから30年近く、教授は名曲を書き続け、素敵に年を重ね、いまだにピアノを弾く姿はセクシー。
また教授に恋してしまいました。
